2024年，环球政经环境挑战不断，艺术市场也颇受压力。盘点今年全球拍卖十大成交画作，总额为RMB 36.8亿，较去年下跌RMB 11.6亿，跌幅约24％。打入十大的上榜金额门槛为RMB 2.25亿，较去年下跌RMB 7,500万。

　　今年，比利时超现实大师马格利特（Rene Magritte）可谓最火热的名字，在十大成交里占了两席。透过光影玩弄日与夜的名作《光之帝国》，连佣以US$1.21亿（RMB 8.8亿）天价成交，大幅刷新马格利特作品的拍卖新高，亦是全年唯一一件超过US$1亿成交的艺术品。

　　值得一提的是，十大成交当中，其中两席在香港拍场诞生。今年佳士得、邦瀚斯的香港新总部相继揭幕，苏富比亦开设了全新旗舰艺廊，可见拍卖业界都把香港视为未来发展重心。

　　其中佳士得、苏富比两大巨头都把以往惯于纽约、伦敦拍场举槌的顶尖西方艺术带到香港，佳士得带来的梵高画作《停泊的船只》以HK$2.5亿成交，苏富比的罗斯科Rothko大尺幅色块抽象画《无题（黄与蓝）》则以HK$2.52亿易手，双双打入十大。

　　马格利特《光之帝国》在纽约佳士得以US$1.21亿成交，成为2024拍卖最贵画作

　　马格利特（René Magritte，1898-1967）《光之帝国》油彩画布︱艺术家拍卖纪录

　　以US$1.21亿（RMB 8.8亿）摘下年度冠军的《光之帝国》，来自已故美国着名女藏家Mica Ertegun收藏，她在1968年从画廊购下此作，一直收藏至今。

　　《光之帝国》可谓马格利特其中一个标志性创作系列。这位超现实大师的作品，往往绘画日常事物，却凭着特定的摆位组合和光影效果，冲击观者思想。

　　举如《光之帝国》的构图，其实充满矛盾。画中描绘的晚间街景，上方却蔚蓝明亮的天空。两个现实世界里不相容的景像，在同一画面上出现，带出一种超现实感觉。

　　马格利特于1948年首次以《光之帝国》为题创作，此后的创作生涯多次回归这主题，一生共绘下17幅《光之帝国》，获纽约古根汉美术馆（Guggenheim Museum）、纽约现代艺术博物馆（NY MoMA）、比利时皇家美术博物馆等顶尖艺术机构收藏。

　　每一幅《光之帝国》事实上也独一无二，尺寸有大有小，亦采用直幅和横幅两种构图，画中细节亦有相异之处。今回举槌的《光之帝国》采直幅构图，此作独特之处在于画中屋子前的倒影，是马格利特首次在画面中加入水的映射。

　　今回拍卖的一幅，完成于1954年。这里亦有一个小故事值得一提，1954年正值超现实主义诞生30周年，当年威尼斯双年展的比利时馆，就以「超现实主义之味」为主题，展出多幅马格利特画作。当年展出的《光之帝国》成为展览焦点所在，最终由传奇收藏家兼艺术赞助人 - 佩姬．古根汉（Peggy Guggenheim）以100万意大利里拉购下。

　　由于马格利特同时答应了另外三位藏家，把《光之帝国》卖给他们，所以便绘下另外三幅《光之帝国》。今回举槌的一幅便属三幅之一，是为比利时收藏家Willy van Hove所作。

　　此作后来落入大西洋彼岸的Byron Gallery手上，Mica Ertegun与这间纽约画廊关系密切，并于1968年购下这幅《光之帝国》，并一直收藏至今。

　　Ed Ruscha《标准车站，十美分西部撕成两半》油彩画布︱艺术家拍卖纪录

　　与《光之帝国》同日在纽约佳士得举槌的Ed Ruscha作品《标准车站，十美分西部撕成两半》，以US$6,826万（RMB 4.9亿）成交，刷新这位美国当代艺术家的个人拍卖纪录，坐占年度成交亚军。

　　Ruscha在美国当代艺术界可谓无人不识，2013年曾入选《时代杂志》（Time）百大影响力人物。他在艺术生涯之初，从广告世界中找寻创作题材，从形态、符号、材料等角度，把当中的文字带到画布之上，后来令「文字植入绘画」在波普艺术大放异彩。

　　这位生于美国中西部的艺术家，年少时就如一般美国家庭一样，开车穿州过省度假，西部风光便成为他创作灵感来源。及至1956年，Ruscha从俄克拉荷马城搬到洛杉矶，并于当地的艺术学院就读。

　　穿梭两地所见的事物，便成为了Ruscha的创作主题，这幅《标准车站，十美分西部撕成两半》便是一例。他形容：「我没有莫奈的塞纳河，但我有穿梭俄克拉荷马州到洛杉矶的66号公路。」

　　画中描绘的，是公路两旁常见的标准油站，Ruscha自1963年开始创作标准车站系列，画中油站采相同的对角构图，配上不同色彩作背景。

　　今回这幅则绘于1964年，蓝色背景似是代表万里无云的晴空。值得留意的是，Ruscha在画面右上角加添了一本被撕开的漫画册，看似随风吹起，营造出一种立体的错视感。

　　画作名称后半部分的「十美分西部撕成两半」，便是指向这漫画册。当年在美国西部流行名曰《Poplular Western》的漫画册，每本只售十美仙，在各地油站可以买到。Ruscha将这漫画册入画，把当年的日常生活细节呈现眼前。

　　美国「美容业女王」Sydell Miller收藏的莫奈画作《睡莲》，今年11月在纽约苏富比连佣以US$6,550万（RMB 4.7亿）成交，坐上年度季军席位。

　　睡莲系列为莫奈晚期代表作，据统计有200多幅。这位「印象派宗师」早年的创作主题，多专注于巴黎和现代生活，后来名成利就，于1890年代以约2.2万法郎购下吉维尼一间大宅，把花园改建成大池塘，又在池边栽种翠竹、杜鹃、日本苹果树和樱花树。

　　此座精心设计的花园，变成了一个与世隔绝的小天地。生命馀下的年岁里，莫奈在这里尽情观察及描绘天气、季节、晨昏变化，以及变幻莫测的色彩和形态，促成了以睡莲和日本桥等为主角的一系列吉维尼花园名作。

　　莫奈醉心于这个睡莲池，经常一边看着那水光潋滟，一边下笔作画。「捕捉瞬间」是贯穿他艺术生涯的命题，亦是印象派的理念。这位法国人最擅长的，便是描绘不同光线在水面上反映的效果和氛围，以及一切稍纵即逝的事物。

　　此幅《睡莲》，尺幅175 x 135.4 cm，绘于1914-17年。当时，花园外的人间饱受第一次世界大战摧残，莫奈的第二任妻子、长子又相继离世，画家意志消沉，一度停止作画。幸得好友鼓励，才再次拾起画笔。

　　此作标志着莫奈开始涉足抽象领域，他对空间、景物的处理渐趋抽象，转而在光影变化上耕耘，画面虚实难分。这种独特视角，更启发了后来罗斯科Rothko、波洛克Pollock等美国抽象表现主义画家。

　　一度坐上最贵美国艺术家的巴斯基亚，今年的走势未如往年凌厉，只得一幅作品打入十大。绘于1982年创作巅峰的画作《无题（埃尔玛战士）》，今年5月在纽约富艺斯连佣以近US$4,650万（RMB 3.35亿）成交，位列年度第四位。

　　尺幅近2.4米宽的《无题（埃尔玛战士）》，来自意大利藏家Francesco Pellizzi收藏。

　　此作绘于1982年，可谓巴斯基亚创作力旺盛、风格成熟的全盛时期。这一年，巴斯基亚找到了经理人Annina Nosei，举行多场展览，开始备受艺坛关注，标志着这位年轻人从街头涂鸦走进纽约主流艺坛，逐渐步向较为严肃的艺术创作。

　　此作画面充满巴斯基亚标志性的符号意象，例如画面左方描绘了一个像鸟一般的「坠落天使」，戴着满布荆棘的光环，盘旋于一片闪闪发光的蓝色海洋，其下方则用潦草绘上波浪与「ELMAR」字句，暗指现代版的希腊神话人物伊卡洛斯（Icarus）即将坠落。

　　至于画面右方则描绘一名光芒四射的弓箭手，戴上布满荆棘的光环，朝着伊卡洛斯的方向射出两支箭。这种武士形象亦可解读为艺术家的自画像，光环则是反映着他在浩瀚宇宙中的个人憧憬与理想告白。

　　Pellizzi于1980年代初从巴斯基亚首位经纪人Annina Nosei手中购下画作，直至40年后的今天才首次进入市场。

　　年度第五位又再回到马格利特的作品身上，他的「西装男」画作《亲密好友》今年3月在伦敦佳士得，连佣以£3,366万（RMB 3.1亿）成交。

　　「西装男」可说是马格利特另一个最常见的创作标志。在他笔下的西装男，若非背着观众，就是脸前面有苹果、白鸽，老看不到样貌，引起无穷悬念。此画里的西装男背着观众，看着外面蓝天白云的景色，一根长长的法国面包和玻璃杯，悬浮在半空。

　　从背面近距离刻画人物，增加了人物的神秘感，使他从一个个体变成没有外表和特征的人物典型。

　　马格利特不时戴起同类礼帽拍照，故有人认为西装男其实是他的自画像。不过，自画像说法未能成为主流，因为马格利特绘于50年代的几幅名作，悉数以「一堆」西装男入画。西装男反而是象征「众生/每个人」，和自画像并无关系。

　　马格利特本人相信亦较认同「众生」说法，他把西装男称呼作「大众先生」（Mr Everybody），他续指：「这顶圆顶礼帽没有任何藏喜之处，只是一种毫无原创性的头饰。头戴圆顶礼帽的男子只是 ……没有任何个性特征。」

　　事实上，男子穿西装、戴圆顶礼帽，乃马格利特那个年代的中产阶级服装典型标志。对他而言，西装男或是象征遵守社会规范的无趣人生，代表社会大多数的平凡人，而他自己也是其中一员。

　　安迪沃荷（Andy Warhol，1928-1987）《花》压克力 萤光颜料 丝网印刷油墨 画布

　　上榜十大的艺术家，还有普普艺术大师安迪沃荷两米巨画《花》，今年5月在纽约佳士得以近US$3,550万（RMB 2.56亿）成交，位列年度第六位。

　　沃荷的《花》是20世纪艺术史上永不凋零的一朵。这个系列沿袭了普普艺术对日常流行图像的挪用，原始影像来自1964年《现代摄影》杂志6月刊里的一张木槿花照片。

　　沃荷以独到的艺术眼光，从七朵鲜花里分离出紧密相依的四朵，然后用醋酸盐转移照片上的图案，使原有色调的对比变得强烈，令整体效果更加犀利明晰。

　　1964年，沃荷采用尺幅逾2米 x 2米的正方形画布，创作了九幅《花》，每幅皆以绿色叶子为背景，衬托四朵花瓣，每幅作品的花瓣用色各有不同。为免跟原本的照片太过相似，Warhol在构图上最保留了花朵的基本轮廓。

　　有别于一般丝网印刷作品，画中的花瓣和绿色背景，均由Warhol亲自手绘，为画作添上细致的纹理和厚涂效果。

　　还有一点值得一提，沃荷采用正方形构图，去除了画面景深，令观者从任何角度观看画作，都不会影响观感，同样亦令画作变得抽象和概念化。

　　今回举槌的一幅，四朵花瓣三朵橙色一朵红色，用色夺目，更是九幅作品当中，唯一一幅花瓣和叶子皆采用萤光颜料绘画的特例。在紫外光灯下观看本作，更可看出与别不同的效果。

　　莫奈「睡莲」倾倒众生，另一系列「乾草堆」同样无与伦比，且远为罕有。今年5月，莫奈绘于1883年的《吉维尼的乾草堆》，便以US$3,480万（RMB 2.5亿）成交，位列年度第七位。

　　莫奈系列称为《乾草堆》（Haystacks），其实画中的是「谷物堆」（Grainstacks）才对。人类文化中，谷物丰收与否，决定着人类能否度过接着的寒冬、炎夏，亦即决定着人类的生与死。

　　1890-1891年，莫奈创作了25幅《乾草堆》画作，当中17幅如今都身在博物馆。当时他年届50，正值创作颠峰，已经是深受赏识的印象派旗手。一位画家花费这麽长的时间，去探索一瞬间的光影变化、天气变幻，乃艺术历史上史无前例之举。

　　2019年，其中一幅《乾草堆》在纽约苏富比上拍，US$1.107亿（RMB 7.5亿）天价易主，成为史上首幅在拍卖场冲破US$1亿大关的印象派画绘画，并保持莫奈个人拍卖纪录至今。

　　至于这幅《吉维尼的乾草堆》顾名思义是描绘吉维尼的景色。莫奈在1883年搬到吉维尼居住，除了精心打造的花园，门户的乾草堆也顺理成章成为他的创作灵感。

　　《乾草堆》系列的许多画作，看上去都比较静态。这幅《吉维尼的乾草堆》，背景的树木像在微风轻拂下摇曳生姿，显出动感。

　　梵高画作《有蝴蝶的花园一角》，5月在纽约佳士得连佣以近US$3,320万（RMB 2.4亿）成交，位列年度第八位。

　　此作绘于1887年，属梵高「巴黎时期」的作品，风格充满印象派气息，用色明显较这位荷兰画家的早期作品更鲜明生动。

　　梵高于1886年从荷兰跑到花都巴黎，期望在艺术上寻找新的突破。1886年2月的最后一天，梵高信件寄往Theo，请弟弟原谅他不请自来，相约在罗浮宫碰面。改变梵高一生的巴黎之旅，正式展开。

　　1887年，梵高在弟弟Theo的建议下出外写生。位处巴黎西北部的阿涅尔（Asnières），成为其中一个写生地点。梵高好友西涅克 Signac和贝尔纳 Bernard皆居于这个塞纳河畔小镇，两人皆建议梵高到阿涅尔，到这个远离巴黎闹市繁嚣的环境写生。

　　《有蝴蝶的花园一角》便是描绘阿涅尔镇上公园一角的景色。梵高以快速的笔触，将花园里成片的草丛和花卉描绘得像有节奏地摆动，甚至让观者感觉到可触摸的纹理，在平面画布上产生三维空间的错觉。

　　罗斯科（Mark Rothko，1903-1970）《无题（黄与蓝）》油彩 画布︱罗斯科画作亚洲拍卖纪录

　　年度十大最后两席，俱在香港诞生。香港苏富比全新旗舰艺廊举行的首场现当代艺术晚拍，带来罗斯科Rothko大尺幅抽象画《无题（黄与蓝）》，最终连佣以HK$2.52亿成交，位列年度第九位。

　　罗斯科巨幅抽象画以往鲜见于香港拍场，2022年，他的作品首度亮相香港拍场，尺幅较细小的压克力画《Untitled (Red and Orange on Salmon)》在香港苏富比登场，惟最终临阵撤拍。今回的《无题（黄与蓝）》则是第一件罗斯科大尺幅作品在亚洲举槌，结果一举打入年度十大。

　　这幅由黄、蓝两种颜色构成的色块抽象画，来源充满故事，由美国艺术收藏大家保罗梅隆伉俪、奢侈品集团Kering创办人皮诺、马来西亚「一马案」逃犯刘特佐，到俄罗斯富商Farkhad Akhmedov的天价离婚案，可谓见证着人生悲欢离合的天价艺术品。

　　梵高（incent van Gogh，1853-1890）《停泊的船只》油彩 画布︱梵高画作亚洲拍卖纪录

　　至于佳士得香港则在Henderson新总部首拍，带来梵高画作《停泊的船只》，连佣以HK$2.5亿成交，摘下年度十大最后一席。

　　《停泊的船只》绘于1887年夏季，乃梵高「巴黎时期」的作品。约1886年3月至1年2月这段「巴黎时期」，是梵高艺术生涯最关键的转型时期。

　　此画描绘的地点，乃巴黎西北部塞纳河畔的阿涅尔（Asnières）。位于市郊的阿涅尔，是人们在夏日逃离巴黎喧嚣暑气的首选之地，吸引不少帆船爱好者前往。

　　这段时间，梵高运用尺寸相似的画布和同样的水平构图，绘下三组三联画，描绘塞纳河畔这风景如画的小镇。与《停泊的船只》同期绘画的，可数藏于苏黎世美术馆布尔勒收藏展览馆的《阿涅尔横跨塞纳河的桥梁》（暂译：Bridges across the Seine at Asnières），以及牛津阿什莫林博物馆收藏的《阿涅尔的Sirène餐厅》（暂译：Restaurant de la Sirène, Asnières）。

　　从这三幅作品可见，此时梵高笔下的画面，已从荷兰时间的灰灰黑黑，转变成充满明亮的夏日光线。梵高将印象派和点彩派的色彩运用，与构图融为一体，捕捉转瞬即逝的绚烂光彩。这种风景绘画方式，亦奠定了梵高创作生涯晚期艺术风格的基调。

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